Thursday, September 25, 2008

Cinema inconscio

Alec Soth, Lynn Theater, Gonzalez, Texas 2006.

Non visitavo il sito di Alec Soth da qualche tempo e ho scoperto che ha messo online il suo lavoro Thirty-three theatres and a funeral home, una sequenza di cinema abbandonati in Texas ispirata al cinema di Wim Wenders, in particolare al suo film Nel corso del tempo.
Il lavoro di Soth fa parte del progetto L'image d'après: Le cinéma dans l'imaginaire de la photographie (anche qui), dieci fotografi Magnum che riflettono sulle loro suggestioni cinematografiche.

I haven't been visiting Alec Soth's website for a while and I recently noticed he added the project Thirty-three theatres and a funeral home, a series of abandoned movie theatres in Texas inspired by the cinema of Wim Wenders, especially from his movie Kings of the Road. Soth's images are part of the project L'image d'après: Le cinéma dans l'imaginaire de la photographie (English title The Image to Come - see also here), ten Magnum photographers working on their inspirations from the world of movies.

Alec Soth, Raye Theater, Hondo, Texas 2006.


Wednesday, September 24, 2008

Old school vs new school

Batman TV series, ABC, 1966-1968.

Non solo Hippolyte è carente di aggiornamenti ormai da molti giorni, ma in più ci rifacciamo vivi con due video che nulla hanno a che fare con la fotografia e che sono l'emblema del puro compiacimento vintage. Perdonateci...

Not only Hippolyte has been lacking of updates for many days, but we also come back with two videos that have nothing to do with photography and merely represent the most pure retro/vintage self-indulgence. Forgive us for this...

Spider-Man (tokusatsu), Toei Animation, 1978.

Italian Spiderman, Alrugo Entertainment, 2008.


Saturday, September 13, 2008

Weekend Flick

Pickpocket, Robert Bresson, 1959.


Tuesday, September 9, 2008


© Merlin Bronques

“Lets go to that new place,
with a name a bit like that place,
where the famous get so out of their face,
they die of fatal cocktails
all chemically mace,
we'll be rubbing shoulders with the stars
inna outer space”.

(Coldcut, Noah’s Toilet)

Se Bret Easton Ellis fosse un fotografo probabilmente sarebbe Merlin Bronques, l’autore di fiumi di istantanee delle serate più hip e glamour tra Stati Uniti ed Europa (qui un articolo del New York Times). Calici di vino, volti lucidi, sorrisi dentati e forse quella sensazione di freddo intenso che Victor Ward, il fotomodello protagonista di Glamorama di Ellis, provava in ogni luogo in cui si recasse.
Da vedere in parallelo con i lavori sulla vita mondana di Larry Fink (anche qui), da Social Graces a Runway fino alle sue immagini dei party di Vanity Fair.

© Merlin Bronques

If Bret Easton Ellis was a photographer, then his name would be Merlin Bronques, the author of thousands of photographs of the most hip and glamour parties in the U.S. and Europe (a story by the New York Times here). Wine glasses, shiny faces and grins, and that cold that Victor Ward, the male model protagonist of Ellis’
Glamorama, feels everywhere he goes.
To be seen in comparison with Larry Fink’s works (also here) on parties and social life,
Social Graces, Runway and his images of Vanity Fair parties.

© Larry Fink


Monday, September 8, 2008

Ferie di plastica (o la sconfitta della geografia)

© Reiner Riedler

Visto che le vacanze estive sono finite quasi per tutti, è il momento ideale per le Artificial Holidays di Reiner Riedler e per gustarci tutti i paradisi pret-à-manger sparsi per il mondo.
Dopo il trionfo del pensiero unico, ecco a voi l’avvento del luogo unico.

Since summer holidays are over for most of the people, it is the right time to look at the Artificial Holidays by Reiner Riedler, and enjoy all the pret-à-manger paradises around the world.
After the triumph of the single thought (or la pensée unique), here’s the advent of the single place.

© Reiner Riedler


Saturday, September 6, 2008

Weekend Flick

Paranoid Park, Gus Van Sant, 2007.


Landscape Unlimited

© Joel Tettamanti

Godetevi la mole impressionante di lavoro presente sul sito di Joel Tettamanti, notevole autore di paesaggi naturali e industriali (con anche diversi ritratti interessanti). Continui passaggi dal bianco della neve al nero della notte, dalla curva di una montagna alla durezza geometrica di edifici o strutture industriali.
Fategli visita una volta ogni tanto per degli aggiornamenti, guardate solo quante immagini sono realizzate nel 2008!

© Joel Tettamanti

Enjoy the impressive amount of work displayed on his website by Joel Tettamanti, remarkable urban and natural landscape artist (with some good portraiture, too). Continuos shifts from the white of the snow to the dark of the night, from the curve of a mountain to the geometric harshness of buildings and industrial plants.
Go and visit him once in a while to check for updates, just look at the amount of images made in 2008!

© Joel Tettamanti


Friday, September 5, 2008

Old fashioned

© Michael Lundgren

"Queste fotografie sono state realizzate per essere guardate come stampe di grande formato, il modo in cui sono qui presentate fa perdere molto di quello che possono esprimere".

Adoro i fotografi che si preoccupano così tanto della resa delle loro immagini, intesa soprattutto come cura delle modalità di fruizione di esse.
Michael Lundgren è uno di questi, bianco e nero estremamente affascinante per rappresentare il paesaggio in continua trasformazione del deserto, nella sua serie Transfigurations.

"These photographs are intended to be viewed as large prints, as it is much is lost in translation".

I love those photographers who care so much about the quality of their images, and care a lot about the way people can experience them.
Michael Lundgren is one of them, amazing black & white to represent the ever-changing landscape of the desert, in his work

© Michael Lundgren


Tuesday, September 2, 2008

Domande a Joni Sternbach

Joni Sternbach, Surfers.

"I don’t know if there’s an alternative photography movement. If so, maybe there also needs to be some guerilla action to take digital photography out of the hands of the market place and into the hands of photographers".

We talked about this and much more with Joni Sternbach, photographer and artist of the wet collodion technique. Enjoy the read!

Di questo e di molto altro abbiamo parlato con Joni Sternbach, fotografa e artista del collodio umido. La traduzione italiana è alla fine del testo in inglese. Buona lettura!

HB - Your work is mainly made with alternative photographic processes. How did you get into this kind of techniques?

JS - I hold Muybridge fully responsible for my interest in historic processes. His studies of the human figure in motion captivated my interest back in the 90’s. I began working with platinum printing, making Polaroid negatives of female figures in silhouette modeled after his motion studies.
These pictures were an entry for me to thinking about where photography began, how women and specifically nude women were represented in art and how the use of props helped to determine gender roles. My use of the silhouette served a twofold purpose. It masked the details of the conventional nude and was a homage to 19th century folk art.

Edweard Muybridge, Athletes in Motion, 1887.

HB - There seems to be some sort of revamp of alternative photography in the past years: Sally Mann, Jerry Spagnoli, Robb Kendrick, to name a few. How did this happen, from your point of view?

© Sally Mann

JS - Some people call it the digital backlash, others find a different kind of detail and beauty in the chemistry and antique lenses. The immediate quality of the collodion process is extremely satisfying. I think it offers something that conventional film does not not. Polaroid does a similar thing. It also has different light and color sensitivities that lend itself to certain kinds of imagery and renders them very differently than typical black and white film.

© Robb Kendrick

HB - One of the interesting things in these techniques is for me the fact that the surface of the image can establish a new kind of relationship with what’s inside it, adding a strong tactile element to the vision, with an emphasis on the perception of the image rather than on the subject of the photograph. What’s your opinion about it?

JS - Making glass or tin plates is a rewarding process. And yes the object itself is amazing and tactile. I think that’s also a tricky thing and one I have many discussions about with other photographers, writers, gallerists and curators As an artist it’s not enough just to make an image that is technically interesting or intriguing. The subject matter and series has to hold up to same standard that any other body of work is held to.

HB - Which is the role of chance in your work, how does it affect the final result?

JS - Collodion has an unknowable and spontaneous quality that makes it exciting and challenging at the same time. Working with raw chemistry in the field lends itself to surprise and possible disaster. Each new batch of chemistry, every new location and different weather conditions all play a role in how the images look.

HB - Your Surfers are like timeless heroes, and this is what I like most of that work: the fact that the tintype and the modern look of the surfers don’t clash one with the other, therefore creating a paradox; they rather make something new together, giving to the human subjects that inner presence often lacking in the so-called deadpan portraits or environmental portraiture, where often there’s a simple subject/background situation. In your portraits I always have the feeling that it’s the whole image that counts.

Joni Sternbach, Surfers.

JS - Thanks. Working with an antique process that makes everything look old has its challenges. I would hope that the combination of technique and subject matter would blend well. I think of these pictures as landscapes that are inhabited, so yes, the whole image does count.

HB - Most part of your work involves the sea, the border between land and water. Your last work, The Salt Effect, is on the contrary a work on the absence (or the disappearance) of water. Can you tell us something about it? Why did you choose to work with mixed technique?

Joni Sternbach, The Salt Effect.

JS - I had an artist in residency in Utah that brought me out west. I applied for it while working on the Abandoned series. It’s a tough terrain and the weather played a huge role in what and when I was able to shoot. Working with collodion outdoors requires certain conditions
(like winds less that 15mph) that film does not.
The salt desert is a dried out lake bed, so the complete opposite or inverse of my previous subject matter. I found that just as intriguing, especially since the mirage effect makes land in the distance look like water.

Joni Sternbach, The Salt Effect.

HB - I also have the feeling that the images progressively got wider throughout your different projects, as if the field of vision broadened, from the Ocean Details to the vast land and sky of some photographs from The Salt Effect.

JS - That’s true. I began working on landscapes with a narrow perspective, focusing on surface and movement as an expression of emotion.

Joni Sternbach, Ocean Details.

HB - Do you feel as some part of a ‘movement’ of alternative photography or do you think that there is no such thing?

JS - I don’t know if there’s an alternative photography movement. If so, maybe there also needs to be some guerilla action to take digital photography out of the hands of the market place and into the hands of photographers.

HB - Is there any photography or authors that you can consider as an inspiration for you?

JS - There are so many artist’s and photographers whose work I admire. Muybridge, Misrach, Vija Celmins, August Sander, just to name a few.

Joni Sternbach, Abandoned.


HB - I tuoi lavori sono realizzati principalmente con tecniche fotografiche antiche. Come sei giunta a lavorare con queste tecniche?

JS - Muybridge è il vero responsabile per il mio interesse nelle tecniche antiche. Dagli anni ’90 ho cominciato ad interessarmi ai suoi studi sulla figura umana in movimento. Cominciai a lavorare con la stampa al platino, realizzando negativi Polaroid di figure femminili in silhouette sulla scia dei suoi studi sul movimento.
Queste fotografie sono state per me una via d’accesso per riflettere su dove è cominciata la fotografia, su come le donne ed il nudo femminile in particolare venivano rappresentati nel mondo dell’arte e su come l’uso di elementi scenici contribuiva a determinare dei ruoli di genere. L’uso della silhouette serviva un doppio scopo: mascherava le caratteristiche del nudo tradizionale ed era un omaggio alla folk art del XIX secolo.

HB - Negli ultimi anni sembra esserci stata una vera e propria rinascita delle tecniche antiche: Sally Mann, Jerry Spagnoli, Robb Kendrick, per fare qualche nome. Quali sono per te le ragioni di questo fenomeno?

JS - Qualcuno la vede come una reazione al digitale, altri trovano nella chimica e negli obiettivi antichi un differente tipo di dettaglio e bellezza. La qualità immediata della tecnica al collodio è estremamente gratificante, penso offra qualcosa che la pellicola convenzionale non può dare. La Polaroid fa qualcosa di analogo. Inoltre possiede differenti sensibilità spettrali e cromatiche, che si prestano a certi tipi di immaginario e li restituisce in modo molto differente dalla comune pellicola in bianco e nero.

HB - Trovo che uno degli elementi interessanti nell’uso di tali tecniche sia il fatto che la superficie dell’immagine può stabilire un nuovo rapporto con ciò che vi è dentro, aggiungendo alla visione una forte dimensione tattile, con un’enfasi sulla percezione dell’immagine piuttosto che sul suo soggetto. Qual’è il tuo pensiero a riguardo?

JS - Realizzare lastre di vetro o di metallo è un processo gratificante, e si, l’oggetto in sé è tattile e stupefacente. Penso però che sia anche una faccenda complicata/scivolosa, su cui ho avuto molte discussioni con altri fotografi, scrittori, galleristi e curatori. Per un’artista non è sufficiente realizzare un’immagine tecnicamente interessante o intrigante, il tema e le sequenze di immagini devono possedere gli stessi standard che si pretendono da qualsiasi altro lavoro.

HB - Che ruolo gioca il caso nel tuo lavoro, quanto può determinare il risultato finale?

JS - Il collodio ha una spontaneità e un’imprevedibilità che sono eccitanti, ed è anche una sfida. Lavorare sul campo con prodotti chimici comporta un elemento sorpresa e anche l’eventualità di un disastro. Ogni nuovo set di prodotti, ogni nuovo luogo e le diverse condizioni atmosferiche giocano tutti un ruolo in come l’immagine finale risulterà.

HB - I tuoi Surfers sembrano degli eroi fuori dal tempo, e questo è forse ciò che amo di più nel tuo lavoro: il ferrotipo e l’immaginario contemporaneo dei Surfers non entrano in conflitto, creando un semplice effetto-paradosso; al contrario creano insieme qualcosa di nuovo, le figure umane emergono con una qualità direi interiore che a volte manca nel cosiddetto ritratto deadpan o nel ritratto ambientale, dove tutto può ridursi ad una semplice dinamica di soggetto e sfondo. Nei tuoi ritratti la sensazione è che sia sempre la totalità dell’immagine ciò che conta.

JS - Grazie. Lavorare con una tecnica che fa sembrare ogni cosa antica comporta delle sfide. La mia speranza è sempre che la combinazione di tecnica e soggetto si fondano nel modo giusto. Penso a queste immagini come a dei paesaggi abitati, quindi si, è l’immagine nel suo complesso che conta.

HB - La maggior parte dei tuoi lavori ha a che fare con il mare ed il confine tra terra e acqua. La tua ultima serie, The Salt Effect, al contrario sembra mostrare l’assenza (o la scomparsa) dell’acqua. Puoi dirci qualcosa a riguardo? Come mai hai scelto di lavorare con tecnica mista?

JS - Ho fatto una residenza artistica nello Utah che mi ha portata ad Ovest, ho fatto domanda mentre stavo lavorando alla serie Abandoned. È un territorio difficile, e le condizioni atmosferiche hanno giocato un ruolo determinante in cosa e quando potevo fotografare. Lavorare con il collodio all’aperto richiede certe condizioni (come un vento inferiore a 15 miglia orarie) che sono ininfluenti utilizzando la pellicola.
Il deserto di sale è un lago prosciugato, l’esatto opposto dei miei precedenti lavori. Quest’aspetto mi interessava molto, soprattutto perchè c’è un effetto miraggio che fa sembrare acqua la terra vista da lontano.

HB - Ho anche l’impressione che la tua visione si sia progressivamente allargata attarverso i vari lavori, un ampliamento del campo visivo dagli Ocean Details alle vedute a perdita d’occhio di The Salt Effect.

JS - È vero. Ho cominciato a lavorare sul paesaggio con una prospettiva chiusa, concentrandomi sulla superficie e sul movimento come espressione di emozioni.

HB - Ti senti parte di un movimento per la fotografia alternativa oppure credi non esista nulla del genere?

JS - Non so se esiste un movimento per la fotografia alternativa, ma se ci fosse allora forse andrebbero anche fatte delle azioni di guerriglia per togliere la fotografia digitale dalle mani del mercato e metterla in quelle dei fotografi.

HB - Quali sono gli autori che ti hanno ispirata maggiormente?

JS - Ci sono tanti artisti e fotografi di cui ammiro il lavoro: Muybridge, Misrach, Vija Celmins, August Sander, per fare qualche nome.


Monday, September 1, 2008


"La nostra sopravvivenza dipende non solo dalla scelta di validi leader, ma anche da persone informate e che abbiano una presa sicura sulle realtà globali che ci circondano. Dispatches, trimestrale dedicato all’analisi dei più cruciali temi del nostro tempo, vuole andare oltre il ‘cosa’ e il ‘chi’ per giungere ai ben più importanti ‘perché’ e ‘cosa può esser fatto?’ Scrittori e fotografi vanno al cuore della realtà per riflettere su ciò che vedono, liberi da pressioni editoriali o costrizioni dettate dal mercato. Informazione affidabile e analisi vengono collocate in un reale contesto umano e in una dimensione storica".

Così recita il mission statement di Dispatches, una nuova rivista fondata da Gary Knight, uno dei fondatori dell’agenzia fotografica VII, dal giornalista e scrittore Mort Rosenblum e da Simba Gill, fondatore della casa farmaceutica moksha8. Il primo numero, uscito nel giugno 2008 è intitolato In America, con un photo-essay di Antonin Kratotchvil, compagno di Knight presso VII, In God’s Country; il secondo numero , in uscita, è dedicato alla guerra in Iraq, con immagini di Yuri Kozyrev, fotografo dell’agenzia Noor.

© Antonin Kratochvil, VII.

"Our very survival depends not only on well-chosen leaders but also on informed followers with a firm grasp of global realities. As a quarterly focused on the most critical subjects of our time, dispatches reaches beyond what and who to the more crucial why and what can be done? Writers and photographers go to the heart of reality to reflect what they see without editorial pressures or commercial constraints. Reliable reporting and analysis are set within human contexts and a historical continuum".

This is an excerpt of the mission statement of Dispatches, a new magazine founded by photographer Gary Knight, also one of the cofounder of VII photo agency, with writer and journalist Mort Rosenblum and Simba Gill, founder of the pharmaceutical company moksha8. The first issue,
In America, was released on June 2008, with a photo-essay by fellow VII photographer Antonin Kratotchvil, In God’s Country; the second issue, out soon, will be about the war in Iraq, with photographs by Noor photographer Yuri Kozyrev.

© Yuri Kozyrev, Noor.



© Eva Sauer

Il lavoro di Eva Sauer varia dal ritratto al paesaggio industriale fino a scene notturne, utilizzando sempre il formato quadrato come una sorta di piccola finestra attraverso cui raccoglie scorci di un mondo sospeso.

The work of Eva Sauer moves from portrait to industrial landscape and night scenes, always using the square format as some sort of small window through which she collects glimpses of a suspended world.

© Eva Sauer